“The Future of Ballet Music: Creating Digital Recordings Truly Designed for Dance”

Understanding the technical intricacies of the ballet world requires a deep collaboration with the music world.

Ballet directors, ballet masters, conductors and musicians specializing in the ballet repertoire should work together to create something unparalleled that allows artists—both dancers and musicians—to express their talent.

One of the most integral elements of a ballet performance is the music. It can be played live or, as happens in most cases today, through digital audio recordings.

Yet the unfortunate truth is that almost all the ballet repertoire recordings currently available on streaming platforms or in digital catalogs are produced as concert versions.

The result is a major disconnect between the artistic needs of the ballet world and the recorded music available on the market.

Often it becomes almost impossible to dance to these recordings, because the tempos are not conceived for dancing. The existing digital audio has many limitations, restricting the artist’s creativity and expressive potential.

Imagine dancers working on variations, pas de deux or corps de ballet sections from great classics such as Swan Lake, Giselle, La Bayadère, Raymonda, Le Corsaire or The Sleeping Beauty, struggling to stay in time with recordings whose tempos are usually too fast.

Was Minkus imagining La Bayadère as a concert performance? And what about Tchaikovsky’s three masterpieces? If they were alive today, would they agree to have their works recorded as if they were symphonies? And how would Marius Petipa react to hearing these types of recordings? Would he be satisfied?

They would see people forced to use audio-editing software to recover a “normal” tempo—a practice that compromises the sound quality and, more importantly, the dancers’ performance.

To resolve this issue, it is time to launch new dedicated ballet recording projects, where conductors collaborate closely with ballet directors and ballet masters to define the right tempos, phrasing and interpretative approach for each musical piece.

This is essential for creating high-quality recordings that truly align with the artistic vision of the ballet world.

With new ballet-oriented digital releases, companies, academies and schools would finally have access to music conceived specifically for their daily work, rehearsals and performances.

They would simply choose the version that best reflects the artistic identity of their team—whether inspired by the tradition of the Royal Ballet, Paris Opera Ballet, Stuttgart Ballet, and so on—without worrying about tempo issues or technical adjustments.

Such an initiative could also encourage the emergence of a new generation of orchestra conductors highly specialized in ballet conducting.

Professionally produced ballet-specific recordings would bridge the gap between the dance world and the digital music industry, increasing demand for dedicated releases and creating new opportunities for both fields.

Music labels and digital distributors must join hands with the ballet world to build a brighter future for dancers, students and the entire music community.

The new music composed for piano. For sleeping or for being awake?

In my musical research and in conversations with colleagues and artists, including some of great renown, I have noticed an increasingly marked trend: the proliferation of “ambient” or “atmospheric” piano music.

This movement has generated an endless literature of dedicated playlists, music for studying, for sleeping, for focusing, which now dominate digital platforms and seem, for many, to define what it means today to compose for the piano.

Let me clarify that this is a personal observation, fully aware that musical beauty responds to subjective tastes.
However, I believe it is necessary to raise a few questions that concern not only aesthetics, but also the function of music and the development of contemporary piano language.

This ambient production certainly responds to a real need: we live in an age of constant overstimulation, and many seek refuge in sounds that demand no active attention, that soothe rather than stimulate.
The issue arises when this becomes the only direction perceived as commercially or artistically viable for contemporary piano music.

I wonder: wouldn’t it be just as valuable to compose piano music that keeps people awake? Music that offers a positive stimulus, that injects vitality into someone’s day?
Music does not have to be only a sedative or a neutral backdrop, it can be energy, friction, dialogue, surprise.

There is also a technical and linguistic aspect we cannot ignore. This “ambient” aesthetic often leads to an oversimplification of piano language. Elementary harmonic progressions, ultra-minimal textures stripped to the bone, the absence of thematic development—elements which, from a pianistic-technical point of view, frequently correspond to a first-year level of study.

To be clear: simplicity can be a profound artistic choice when it is conscious and motivated. But when simplicity becomes a repeated formula, when a single manner of playing is presented as if it encompassed the entire possible pianistic universe, then we are drastically limiting the instrument’s potential.

The piano is an instrument of immense expressive and technical richness, with a vast history of rhythmic, timbral, and melodic exploration.

This is not about criticizing ambient music, it too has dignity and purpose. Rather, it is about reclaiming space for other voices, for a piano that can still be complex, virtuosic, irregular, even uncomfortable.
A piano that engages in dialogue with the listener instead of merely accompanying them discreetly.

As composers and pianists, we still bear the responsibility to explore the full expressive spectrum of our instrument, and not allow ourselves to be seduced solely by the algorithmic logic of playlists that reward repeatability and non-invasiveness.
Perhaps it is time to compose not only to make people sleep, but also to keep them awake, or perhaps, to make them dream, but with their eyes opened.

La nuova musica composta al pianoforte. Per dormire o per stare svegli?

Nella mia ricerca musicale e nel confronto con colleghi e artisti, anche di grande fama, ho notato una tendenza sempre più marcata: la proliferazione di musica per pianoforte "ambient" o "d'atmosfera". 

Questa corrente ha generato un'infinita letteratura di playlist dedicate: musica per studiare, musica per dormire, musica per concentrarsi, che domina le piattaforme digitali e sembra definire, per molti, cosa significhi oggi comporre per pianoforte.

Premetto che il mio è un commento personale, consapevole che la bellezza musicale risponde a gusti soggettivi. 

Tuttavia, ritengo necessario sollevare alcune questioni che riguardano non solo l'estetica, ma anche la funzione della musica e lo sviluppo del linguaggio pianistico contemporaneo.

Questa produzione ambient risponde certamente a un bisogno reale: viviamo in un'epoca di sovrastimolazione costante, e molti cercano rifugio in sonorità che non richiedano attenzione attiva, che cullino piuttosto che stimolare. 

Il problema sorge quando questa diventa l'unica direzione percepita come commercialmente o artisticamente valida per il pianoforte contemporaneo.

Mi chiedo: non sarebbe altrettanto prezioso comporre musica pianistica che faccia stare svegli? Musica che offra uno stimolo positivo, che inietti vitalità nella giornata delle persone? 

La musica non deve essere solo un calmante o uno sfondo neutro, può essere energia, confronto, dialogo, sorpresa.

C'è poi una questione tecnica e linguistica che non possiamo ignorare. Questa estetica "ambient" porta spesso a un'ipersemplificazione del linguaggio pianistico. Progressioni armoniche elementari, texture minimaliste ridotte all'osso, assenza di sviluppo tematico, elementi che dal punto di vista della tecnica pianistica corrispondono, in molto casi, a un livello da primo anno di studi.

Intendiamoci: la semplicità può essere una scelta artistica profonda, quando è consapevole e motivata, ma quando la semplicità diventa formula ripetuta, quando si propone un'unica maniera di suonare come se fosse l'intero universo pianistico possibile, allora stiamo limitando drasticamente le potenzialità dello strumento.

Il pianoforte è uno strumento di immensa ricchezza espressiva e tecnica, con una enorme storia di ricerca ritmica, timbrica e melodica.

Non si tratta di criticare la musica ambient, anch'essa ha dignità e funzione. Si tratta piuttosto di rivendicare uno spazio per altre voci, per un pianoforte che possa ancora essere complesso, virtuosistico, irregolare, persino scomodo. 

Un pianoforte che dialoghi con l'ascoltatore anziché limitarsi ad accompagnarlo discretamente.

Come compositori e pianisti, abbiamo ancora oggi la responsabilità di esplorare tutto lo spettro espressivo del nostro strumento, di non lasciarci sedurre unicamente dalle logiche algoritmiche delle playlist che premiano la ripetibilità e la non-invasività. 

Forse è tempo di comporre non solo per far dormire, ma anche fare stare svegli, o magari, per far sognare a occhi aperti...

L'applauso

L'applauso

C'è un momento, al termine di ogni spettacolo, in cui il tempo sembra trattenere il respiro. 

Poi, nasce l'applauso.

Non è solo un gesto, non è solo un rumore. È un moto dell’anima che si fa corpo, che vibra tra le mani e si propaga come un abbraccio invisibile. L’applauso è riconoscimento, è gratitudine, è commozione. È il modo in cui il pubblico dice: “Ti ho visto. Ti ho sentito. Mi hai toccato. Grazie."

L'applauso è uno scambio. C'è un'intimità straordinaria nell'inchino e nell'applauso: due gesti che si cercano, si completano. 

L'uno non esiste senza l'altro. 

È lo scambio silenzioso tra la fragilità di chi si espone e la gratitudine di chi contempla.

Per l'artista, l'applauso è ritorno, respiro, abbraccio. È il bisogno umano di essere visti, riconosciuti, di sapere che ciò che abbiamo creato ha toccato qualcuno.

Ma l’applauso non appartiene solo al teatro.

A volte esce dalle sale, attraversa la vita, e diventa qualcosa di più grande: un segno che unisce.

Riecheggia per alcune splendide azioni, splendide parole, splendidi gesti nel mondo.

Ogni volta che qualcuno compie un atto di umanità, di verità, di coraggio o di bellezza, quell’applauso invisibile ritorna a vibrare.

L’applauso rappresenta allora una nuova unione universale: un ponte tra le persone, un respiro comune che ci ricorda che siamo ancora capaci di riconoscere il bene, il bello, e di emozionarci insieme.

È il battito del mondo quando sa riconoscere la purezza e la tenerezza dell’essere umano.

L’applauso riavvicina, stringe, consola.

È il suono della gratitudine e della speranza.

Applaudire è credere ancora nella bellezza e nell'umanità.

E io applaudo ancora più forte all'arte , alla bellezza e alla cultura, al senso di umanità e bontà di questo pianeta.

Standing ovation.

"Lettera a Giulia" free piano score for all pianists

 

Il mio nuovo album "Escape"

Ci siamo...Domani sarà disponibile il mio nuovo album “Escape”

Nasce principalmente dal desiderio di poter offrire alle persone una musica capace di creare un'atmosfera di serenità, di relax, ma nello stesso tempo di intensità e passione. 

Vorrei donare un po' di tempo per sfuggire alla quotidianità che spesso in questo periodo è sinonimo di stress, ansia e insicurezza. Con Escape creo un momento in cui la musica prende le redini dell'anima e la conduce in un viaggio dove le emozioni più belle si liberano e rendono il tempo più leggero. Vorrei donare bellezza, sogno e speranza attraverso i suoni. 

L'album contiene 17 pezzi di cui l'ultimo ha un valore speciale perché è dedicato a una giovane ragazza italiana, Giulia Cecchettin, di cui tutta la nazione conosce la storia tristissima. Ho voluto aggiungere questo pezzo per una ragione specifica: Lavorando come musicista nel mondo della danza, ho ricevuto la richiesta di comporre una musica dedicata a questa ragazza proprio dalla sua insegnante di danza. Giulia ha studiato danza per tanti anni! Sono rimasto profondamente colpito da questa notizia e ho accettato immediatamente! L'ho composta di getto, in maniera un po' impulsiva, l'unico obiettivo che avevo era quello di scrivere la melodia per me "più bella e più giusta" per esprimere un turbine di sensazioni che mi hanno profondamente segnato in questa tragedia. Ma non ci sarà musica capace di produrre la stessa dolcezza dello sguardo di Giulia che ho potuto vedere in tante foto. È un'impresa più grande di me ma ho voluto provarci lo stesso. Spero che quello che ho scritto possa avere un effetto positivo su tutti quelli che l'ascolteranno e vedranno la coreografia. 

Un'altra cosa importante per me è l'ispirazione dei libri. Da accanito lettore, nel nuovo album si potranno ascoltare due composizioni ispirate and altrettanti libri di Jane Austen: Emma (Emma's Song) e Orgoglio e Pregiudizio (Lizzy Bennet' s Song). I libri accompagnano la mia vita e la mia musica da sempre. In passato ho dedicato un intero album ad un libro (Il pianista e la farfalla di Carmine Sorrentino) ed altri pezzi sono stati ispirati a libri quali I Tre Moschettieri, Guerra e Pace, Michele Strogoff ed altri. Infine ho voluto inserire qualche pezzo con un suono più "contemporaneo" ma anche ritmico. 

Un altro pezzo è dedicato alla città dove vivo, The Sun in my House. I panorami della costa azzurra e i colori mi tolgono il fiato dalle emozioni. 

E per finire, il pezzo Vivian and Hillary è dedicato alle mie figlie, che sono state e continuano ad essere la mia più grande ispirazione. Il mio sogno, con questo nuovo album, è quello di riuscire ad occupare un piccolo spazio nel vostro cuore.

Vi va di ascoltare?

Vi aspetto il 18 novembre con Escape su https//:massimilianogreco.bandcamp.com e a breve su tutte le piattaforme musicali. 

 

Il "crescendo musicale" e la gestione dei movimenti nello spazio nella lezione di danza classica: la conquista dell'infinito...

Vorrei fare alcune considerazioni sull'utilizzo della dinamica musicale nella lezione di danza classica, in particolare sul "crescendo musicale".

La danza classica è un'arte che si esprime non solo attraverso il controllo meccanico dei movimenti, ma anche attraverso la musica e lo spazio. 

Il crescendo musicale e la gestione dei movimenti nello spazio (soprattutto della parte alta del corpo, ma non solo ..) sono due aspetti fondamentali che si intrecciano per creare una performance artistica di grande impatto estetico ed emotivo.

Il crescendo musicale è un aumento progressivo del volume del suono che può influenzare direttamente l'intensità e l'ampiezza dei movimenti del ballerino.

Durante una lezione, l'insegnante può utilizzare il crescendo per guidare i ballerini verso un picco emotivo o tecnico.

I ballerini devono essere consapevoli di come i loro movimenti si adattano e si espandono nello spazio circostante, sia in termini di prossimità agli altri ballerini che di interazione con la musica. Devono percepire la sensazione di "abbracciare" tutto lo spazio possibile come se fosse molto infinitamente grande attraverso il un controllo del "respiro dei movimenti".

La sincronizzazione tra crescendo musicale e movimento nello spazio è cruciale. Un movimento che si espande nello spazio che coincide con un momento di crescita nella musica produce una bellezza ed un immagine di altissimo livello comunicativo ed emotivo.

Proprio la parola "infinito ", la sensazione, l'ambizione di arrivare all'infinito spazio potrebbe essere il livello che i danzatori devono immaginare di conquistare attraverso il crescendo musicale.

La musica...il movimento... l'infinito...